ARTE RENACENTISTA

1.El mundo del renacimiento: contexto histórico.

El impulso artístico y cultural del Renacimiento surgió en el centro y el norte de Italia, la región más urbanizada de Europa, en ciudades como Florencia, Siena, Urbino, Papua, Milán, Venecia, Ferrara o Mantua a finales del siglo XIV, se desarrolló a lo largo del XV y se extendió al resto de Europa en el silgo XVI.

1.1.Italia en los siglos XV y XVI.

En el siglo XV, la península italiana no era un Estado unificado. Se constituyeron repúblicas, principados y ciudades- Estado que ejercieron su dominio sobre los territorios circundantes. Gobiernos autoritarios y aristocráticos, que rivalizaban en lo político, en lo comercial e incluso en lo artístico. En la rivalidad comercial y política entre estos Estados se encuentra el origen de la moderna diplomacia y la idea del Estado moderno.

Eran ciudades ricas cuya prosperidad económica se había favorecido por el comercio gracias a las nuevas rutas, entre ellas la de la seda.

En esta época surgió una nueva clase burguesa constituida por mercaderes enriquecidos con le comercio a larga distancia. De esta manera, la consolidada clase burguesa de la Baja Edad Media se convirtió en una clase cortesana, refinada, culta y de gustos exquisitos que llenó sus palacios con las obras de los artitas italianos. Los Médicis en Florencia fueron el prototipo de los nuevos mecenas del arte.

1.2.Significación del Renacimiento.

Renacimiento, fenómeno artístico y cultural que se desarrolló a comienzos de la Edad Moderna y que se caracteriza principalmente pro la recuperación cultural de la antigüedad clásica y la superación de los esquemas medievales que supeditaban el arte a la religión y a la finalidad didáctica.

El Renacimiento es el resultado del impulso intelectual y artístico del humanismo. Éste supone la culminación de la voluntad de recuperación de la cultura y el saber pagano clásico griego y romano iniciado en los siglos XII y XIII.

1.3.Contexto cultural: el humanismo.

En el siglo XIV, los poetas italianos Tetrarca y Boccacio sentaron las bases de una nueva actitud que conduce al humanismo. Encontramos figuras como Maquiavelo, Erasmo de Rótterdam, Copérnico…

. Los humanistas redescubrieron el saber del mundo clásico grecorromano y este interés acabó convirtiéndose en una moda que se extendió por  Europa en el siglo XV, favorecida por el invento de Guttemberg, la imprenta. La cultura clásica se tomó como modelo moral y estético y con gran afán de conocimiento y de gusto por valores como la belleza.

. El humanismo supuso una verdadera revolución, al considerar al ser humano como centro del universo. Con ello se superaba el teocentrismo.

. Los nuevos avances científicos y técnicos, alimentaban el espíritu de progreso de la humanidad y el afán del saber.

. El saber se distancia de la fe, y el conocimiento real de las cosas se va a basar en un método científico.

. Los valores del humanismo impregnaron a príncipes, nobles y ricos burgueses, que descubrieron el placer del arte y la cultura. El prestigio de los artistas se vio favorecido por el mecenazgo de la nobleza, el clero, comerciantes ricos y los papas.

1.4.Periodización del arte renacentista.

Distinguimos tres etapas: El Primer Renacimiento o Quattrocento, siglo XV, tiene como centro Florencia, los artistas se agrupaban alrededor de los Médicis. El Cinquecento, corresponde al siglo XVI y tiene como centro Roma. Los papas nuevos mecenas y el arte quedó sometido a la religión. A partir de 1525, dio comienzo el manierismo, que inició la decadencia del Renacimiento.

1.5.Rasgos del arte renacentista.

En esta época se generalizó la denominación de artes mayores para designar la arquitectura, la escultura y la pintura, en oposición a las artes menores (cerámica, tapiz, orfebrería, mosaico, grabado…)

. El redescubrimiento del mundo clásico grecorromano se refleja en la recuperación de los órdenes arquitectónicos, de los modelos escultóricos del período clásico y temas mitológicos de la Antigüedad en la pintura.

. La figura humana pasa a ser el centro de atención en las representaciones artísticas y deja de serlo exclusivamente Dios, aunque no se abandonan las representaciones religiosas.

. En arte, se anteponen los valores de belleza y perfección técnica a los de significación de la obra y espiritualidad.

. El arte abandona su carácter artesanal para convertirse en una actividad intelectual. Se generaliza el estudio preparatorio. Los artistas firman sus obras y son elevados a la categoría de genios.

. La obra de arte es entendida en este período como un todo unitario y se supera el carácter fragmentario de las pinturas góticas, que presentaban  en varias escenas para ser leídas sucesivamente.

2.El arte del Quattrocento.

Tiene como centro Florencia. En arquitectura se recuperan los órdenes grecorromanos y las construcciones están basadas en la ortogonalidad y la arquitectura abovedada propias de la Antigüedad. La escultura recupera el desnudo humano y toma como modelo el canon de proporciones y belleza empleados en la época clásica griega, además de rescatar los mismos materiales. La pintura, de gran variedad temática, empela el temple y el óleo y la pintura de caballete. La plenitud de la representación naturalista de la realidad con la aplicación de la perspectiva.

2.1.La arquitectura del Quattrocento.

a) Caraterísticas.

Se generaliza el uso del arco de medio punto, combinado con bóvedas de cañón, cúpulas y cubiertas adinteladas. Las plantas suelen ser rectangulares y en ellos predominan la horizontalidad y el retorno a las proporciones a escala humana, abandonado la verticalidad y monumentalidad gótica.

La obra De architectura de Viturbio, arquitecto romano, fue recuperada y se convirtió en el punto de partida de las teorías de los arquitectos renacentistas.

b) El urbanismo y la arquitectura civil y religiosa.

Los teóricos del Renacimiento diseñaron la ciudad ideal y trataron de renovar el aspecto de las ciudades medievales fortificadas. Tales proyectos teóricos no siempre se realizaron. Sí se remodelaron ciudades como Ferrara y Pienza. Para esta última se articuló la ciudad ortogonalmente a ambos lados de una calle principal.

En arquitectura civil sobresale la remodelación del palacio urbano, residencia de nobles y burgueses ricos. Planta rectangular y con un patio en el interior, en ellos predomina la horizontalidad. Suelen tener tres pisos y sus fachadas, escasamente decoradas, se componen de grandes bloques de piedra perfectamente ordenados (almohadillado). Otra construcción nueva es la villa o residencia campestre de nobles y ricos comerciantes. Suele ser de planta de cruz griega y con cuatro fachadas idénticas.

En arquitectura religiosa sobresale el templo, de cruz latina. En su interior, las líneas convergen en un punto de fuga y está elegantemente decorado.

c) Principales arquitectos.

Los principales arquitectos son Brunelleschi y Alberti.

- Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Es considerado el renovador del nuevo estilo en Florencia, con su majestuosa cúpula de Santa María dei Fiori, que corona la construcción gótica realizada en el siglo XIII. En ella el autor dispuso dos estructuras, una de media naranja en el interior y otras ligeramente apuntada en el exterior que sirve como contrapunto de fuerzas a la primera. Ello dio como resultado una cúpula majestuosa de dimensiones colosales. Además se contaba con el prestigio de las cúpulas clásicas, en especial la del Panteón de Agripa, en Roma. Sus obras arquitectónicas se caracterizan por el predominio del rigor matemático, marcado por el empleo de nervios ortogonales, líneas rectas, planos lisos y espacios cúbicos. Estas aportaciones fueron el punto de partida para la arquitectura renacentista.

Brunelleschi definió el tipo de iglesia renacentista de planta centralizada, en forma de T en la que destaca su escala humana, la perfecta armonía de los elementos y el equilibrio de la proporciones. Los templos de San Lorenzo y del Santo Espíritu, ambos en Florencia, son ejemplo de la elegancia compositiva. En ellos se combinan la proporción, la claridad y la simplicidad decorativa, a las que se añade la luz homogénea que baña el interior y da unidad al conjunto.

Otros ejemplos son la ampliación de la basílica de San Lorenzo, en la que reforma la sacristía vieja y añade una nueva, y la capilla de los Pazzi en le claustro de la iglesia de Santa Croce de Florencia, ambas de pureza compositiva y claridad geométrica.

Con respecto a la arquitectura civil, sobresale el Hospital de los Inocentes en Florencia, edificio abierto a modo de claustro, con un órtico que combina arcos de medio punto con columnas romanas. Además, estableció las bases de la tipología del palacio urbano florentino con la fachada de piedra tosca y un marcado almohadillado, en el Palacio Pitti y se repetirá en otros palacios.

- Leon Bautista Alberti (1404-1472).

Teórico sobre las distintas disciplinas artísticas y el primero en descubrir la construcción de la perspectiva, es autor de tres tratados sobre artes mayores, donde manifiesta la importancia del orden racional y de una utilización científica de las reglas de equilibrio y de las proporciones.

Su gran obra es la iglesia de San Andrés de Mantua, considerada una de las construcciones más puras de la arquitectura del siglo XV. Su fachada se inspira en el modelo de los arcos de triunfo romanos, mientras que el interior consta de un espacio longitudinal de una sola nave con capillas laterales atravesada por un crucero que se corona con una cúpula. En la reconstrucción del templo Malatestiano de Rímini el artista recupera elementos arquitectónicos clásicos como el arco de medio punto, la elevación del templo sobre un podio o las columnas corintias.

En Florencia realizó dos de sus obras importantes, el Palacio Rucellai, para evitar la monotonía de los pisos, el artista decoró con pilastras verticales que combinan órdenes clásicos, y la fachada de Santa Maria Novella, donde aparecen perfectamente ordenados los elementos constructivos y ornamentales.

2.2.La escultura del Quattrocento.

a) Características.

La escultura del siglo XV recupera algunos elementos de la estatuaria clásica, aunque con mayor grado de dinamismo y de grandeza compositiva. La temática combina la tendencia religiosa con la pagana, en esta última se incluyen el mundo simbólico de la alegoría y el retrato laico. Los materiales son el mármol y el bronce, tanto para la ejecución de relieves como para la escultura exenta.

b) Principales escultores.

- Lorenzo Ghiberti (1378-1455).

Interesado en los nuevos ideales humanistas, su obra trata de establecer para la escultura unas reglas científicas basadas en la óptica y en la teoría de las proporciones.

Adquirió fama en 1402, tras ganar el concurso para la decoración de las puertas del baptisterio de Florencia. Sus relieves adquieren plenitud del estilo renacentista con la realización de unas segundas puertas encargadas para el mismo baptisterio “ las Puertas del Paraíso”.

Los relieves de Ghiberti muestran todavía vinculación con los fundamentos góticos, sobre todo por sus marcos lobulados, aunque la perfección anatómica de los personajes, el paisaje de fondo y las perspectivas arquitectónicas anuncian la llegada de una nueva estética.

- Donatello (1386-1466).

El principal escultor del Quattrocento. Su obra combina la serenidad y el equilibrio armónico de la estatuaria clásica con una gran expresividad que lo aleja del concepto de belleza idealizada, como se aprecia en su David, primer desnudo fundido en bronce desde la Antigüedad clásica.

Gran dominio de los diferentes materiales (piedra, mármol, madera y bronce), así como de la técnica del bulto redondo y del relieve. Trabajó en los más variados géneros, como el retrato ecuestre, las imágenes religiosas o las cantorías, esculpidas con altorrelieves.

Sus obras San Juan Evangelista y las cuatro estatuas de los profetas San Juan Bautista, Habacuc, Jeremías y Abdías, esculpidas para los nichos del campanario de la catedral de Florencia, muestran una gran fuerza expresiva y son un ejemplo de la vertiente dramática de su escultura.

Como obras singulares destacan la cantoría de la catedral de Florencia, y los relieves del altar de San Antonio de Papua, donde culmina la perfección del concepto de relieve pictórico, al aplicar las leyes de la perspectiva.

c) Otros escultores.

Luca della Robbia, conocido por sus relieves en mármol y su cerámica vidriada. Jacopo della Quercia, precedente de Miguel Ángel. Merece especial importancia Andrea del Verrochio, discípulo de Donatello, pintor, escultor. Afán permanente de expresividad. Sus obras más famosas denotan la influencia de Donatello, como el David, la Degollación de San Juan Bautista o el Condottiero Colleoni.

 

2.3.La pintura del Quattrocento.

a) Características.

La primera fase corresponde a la tendencia medieval, encabezada por la obra de Fran Angelico y muy influida por la pintura gótica de Giotto. A lo largo del siglo XV, la pintura sufre una evolución que dará lugar a la tendencia científica, donde, a partir de la recuperación de elementos grecorromanos a los que se da una nueva interpretación, e uso de la perspectiva es fundamental. Masaccio está al frente de esta segunda corriente.

La temática es variada. Abundan las pinturas religiosas, la temática mitológica y los retratos y representaciones de temática histórica, donde predomina la narración de acontecimientos heroicos. Las técnicas, el fresco de grandes dimensiones, el temple sobre tabla y el óleo, debido a la influencia flamenca. Destacan como elementos principales el dibujo y la luz, combinados, consiguen plasmar la sensación de profundidad den las pinturas.

b) Principales pintores.

- Fra Angelico y la influencia gótica (1287?-1455).

Su obra de un fuerte componente espiritual. En ella, se aprecian elementos de la tradición medieval, tales como los fondos dorados, la actitud mística de los personajes y la estilización de las figuras. Poco a poco se va a ir desprendiendo de estas implicaciones. Renuncia al decorativismo y pone énfasis en el sentido narrativo de las escenas.

- Masaccio y la tendencia científica (1401-1428).

Renuncia a la elegancia del arte gótico y se propone recuperar los valores del arte clásico, concentrando la atención en el volumen de las figuras, a las que dota de un tratamiento escultórico.

Aplicó una luz homogénea en la representación de los cuerpos y las indumentarias de sus personajes, lo que, junto a una sabia utilización de la perspectiva, dio como resultado unas obras de gran solemnidad, de carácter naturalista y fuertemente escultórico.

Sus pinturas más importantes son los frescos de la capilla Brancaccio de la iglesia del Carmine de Florencia. Representan toda la armonía, el equilibrio, la mimesis de la naturaleza y solemnidad del Renacimiento. En el fresco de la Trinidad de la iglesia de Santa Maria Novella de Florencia el pintor introduce una nueva forma de representación espacial, desarrollada a partir de la disposición pintada de la arquitectura.

- La influencia de Massaccio.

La obra de Paolo Ucello; la de Andrea del Castagno. La culminación de esta tendencia científica llega con Piero della Francesca, cuya obra se caracteriza por una grandeza monumental conseguida gracias a la perspectiva científica y a una elegante aplicación de la luz y el color. Como clara representación La Flagelación de Cristo.

- Andrea Mantenga (1431-1506).

Sus pinturas muestran paisajes arquitectónicos con gran dominio de la perspectiva y el escorzo. Claro ejemplo, la Muerte de la Virgen.

- Sandro Botticelli (1445-1510).

Su obra se opone al naturalismo científico de Massaccio y sus seguidores y recupera algunos elementos de la pintura gótica: sentimiento delicado, exuberancia decorativa y línea precisa en el dibujo. Su formación humanística se manifestó en sus alegorías, representaciones simbólicas de temática mitológica o clásica, como La Primavera; El Nacimiento de Venus o Palas Y el Centauro. También es autor de retratos y de numerosas composiciones religiosas.

3.El arte del Cinquecento.

Entre 1500 y 1520 el arte renacentista alcanza su máxima plenitud. La arquitectura, con Bramante y Miguel Ángel, sacrifica la ornamentación y se centra en la estructura del edificio. En escultura aparecen nuevos valores, la grandiosidad y la monumentalidad, resumidas en la obra de Miguel Ángel. En la pintura se llega a uno de los momentos de mayor equilibrio y armonía. Las principales figuras son Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel.

La capitalidad del arte del siglo XVI se traslada a Roma y más tarde a Venecia. La principal razón es el impulso que los papas, nuevos mecenas, dan al arte. Julio II y de León X realizan algunos de los encargos más brillantes del Renacimiento, que tienen como protagonista a Miguel Ángel.

A partir de 1525 se empiezan a abandonar el equilibrio y la armonía de tendencia clásica. Las composiciones pierden la simetría, la proporción y la serenidad de las obras renacentistas, y la atención se centra en el decorativismo más que en la estructura formal de la obra. Ello anuncia la crisis del Renacimiento y el inicio del manierismo.

3.1.La arquitectura del Cinquecento.

a) Características.

Sacrifica el sentido decorativo del período anterior por la búsqueda del racionalismo en las formas arquitectónicas y concibe las construcciones como un todo unitario donde la armonía triunfa plenamente. Se abandona la horizontalidad propia del Quattrocento.

b) Principales arquitectos.

- Donato Bramante (1444-1514).

Su obra se divide en dos etapas, que corresponden a sus estancias en la Lombardía y en Roma. De la primera etapa sobresalen las construcciones de las iglesias de Santa María presso San Satiro o Santa María delle Grazie, ambas en Milán, que todavía denotan una profusa decoración. Al trasladarse a Roma abandona todo elemento ornamental y se centra en la estructura del edificio. A esta etapa pertenece San Pietro in Montorio, de grandiosa monumentalidad a pesar de sus pequeñas dimensiones. En el claustro de la iglesia de Santa María della Pace. Superpuso dos galerías: la inferior, con arcos de medio punto, y la superior, con columnas jónicas que alternan con pilastras sin ningún adorno.

- Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).

Culmina el período del Cinquecento, humanista que practicó las tres artes mayores.

Su obra arquitectónica centra la atención en el juego de volúmenes, y rompe con el equilibrio y la armonía de tendencia clásica. En Florencia diseñó la fachada de la iglesia de San Lorenzo y la Capilla de los Médicis. Su gran encargo, por el papa Julio II, fue la construcción de la basílica de San Pedro del Vaticano en Roma. El artista planificó una iglesia de cruz griega con cuatro ábsides, retomando el proyecto inicial de Bramante. Tan sólo se llegó a realizar la cúpula de dicha basílica, inspirada en Brunelleschi.

Entre 1524 y 1527 realizó la biblioteca Laurentiana en Florencia, donde colocó en un espacio muy pequeño, un amplio repertorio de motivos arquitectónicos clásicos. En Roma llevó a cabo una parte del palacio Farnesio y diseñó la plaza del Campidoglio, en forma de trapecio y rodeada de palacios.

 c) Otros arquitectos.

Giulio Barozzi, llamado il Vignola, autor de la iglesia de Ges en Roma. Su estructura de cruz latina, con una sola nave y capillas laterales, está cubierta con bóveda de cañón y el crucero está coronado por una cúpula. La fachada, fue realizada entre 1573 y 1584 por Giacomo della Porta.

En la región del Veneto destaca la obra de Andrea Palladio, autor de los cuatro libros de arquitectura. Sus principales obras son la basílica de Vicenza, la Villa Capra, conocida también como La Rotonda, y la iglesia del Redentor en Venencia. Su teatro Olímpico recupera el modelo del teatro romano, además de crear efectos escenográficos gracias a la perspectiva.

3.2.La escultura del Cinquecento.

a) Características.

Se centra en la búsqueda de nuevos valores: la grandiosidad y monumentalidad de las obras, que le dan solemnidad. Ello es consecuencia de una ferviente actividad arqueológica que pone al descubrimiento obras antiguas que van a tener profunda influencia sobre temas como el desnudo, las representaciones heroicas y también la expresividad.

b) Miguel Ángel.

El más grande escultor del siglo XVI es Miguel Ángel. Su maestría con los distintos materiales, el mármol y el bronce, lo situó al frente de la escultura del Cinquecento.

En sus inicios florentinos recogió el relieve pictórico de Donatello en obras como la Virgen de la Escalera. En Bolonia conoció la obra de Jacopo della Quercia, quien le marcó profundamente, por el interés en la anatomía de sus composiciones.

Sus primeras obras reflejan la grandiosidad e idealización de las figuras, de clara influencia grecorromana. La Piedad del Vaticano, obra de una perfección extrema por la solemnidad de las formas, la idealización equilibrada y la elegante sensibilidad estética. La figura de la Virgen, lejos de manifestar la doliente madre, refleja la idea universal de la virginidad y el concepto de belleza suprema.

Pronto se intensificó la grandiosidad monumental y la tensión interna expresada en sus figuras, al dotarlas de gran dignidad y robustez, como ocurre con su David, esculpido para la plaza de la Signoria de Florencia entre 1501-1504, y que rompe con la tipología de Donatello y Verrochio. Esta obra es una mezcla de belleza idealizada y capacidad expresiva que toma impulso en las obras que realiza el autor a partir de este momento.

El Moisés constituye una de las seis estatuas que en un principio formaban parte del monumento funerario de Julio II y es el máximo exponente de la fuerza expresiva o terribilitá de Miguel Ángel. Para el mismo proyecto realiza además numerosas figuras inacabadas de esclavos, muestra para conocer el proceso de elaboración y ejecución de sus esculturas.

Entre 1521 y 1534 labra los sepulcros mediceos en la capilla funeraria de aquéllos, en la iglesia de San Lorenzo, Florencia. El conjunto está compuesto por las figuras de San Lorenzo, símbolo de la vida contemplativa y pensante, y Julián, expresión de la actitud dinámica.

La expresividad dramática y el pesimismo trágico se irán haciendo cada vez más patentes en sus obras, distorsionando las proporciones y acentuando los gestos y actitudes sufrientes de sus figuras. Ejemplo, la Piedad Rondanini, apenas esbozada, denota la más amarga de las expresiones, y manifiesta la profunda crisis interna en la que se sumió Miguel Ángel en los últimos años de su vida.

3.3.La pintura del Cinquecento.

a) Características.

La pintura del Cinquecento sintetiza los valores de equilibrio y armonía iniciados en el siglo XV. El color y la luz adquieren un nuevo matiz: el primero se maneja libremente y se convierte en elemento autónomo, en detrimento del dibujo, mientras que la luz adquiere mucha importancia, al igual que las sombras. La composición de las pinturas es muy clara, en ellas se destaca una sola escena principal.

A partir de 1525, se inició la crisis del Renacimiento. Con el manierismo, los valores de belleza pictórica, unidad compositiva y equilibrio fueron desapareciendo y dieron lugar a composiciones desequilibradas y asimétricas.

b) Principales pintores.

Leonardo da Vinci, introductor de una nueva técnica, el esfumado; y los principales representantes de la escuela romana, Rafael Sandio y Miguel Ángel.

Al margen de estos tres grandes, sobresalen los de la Escuela Veneciana, cuyos máximos representantes son Giorgione y Tiziano.

- Leonardo de Vinci y su aplicación del sfumato.

El principal pintor del Cinquecento, humanista cuya producción abarca todos los campos de la investigación y la práctica científica (ingeniería, anatomía, botánica, arquitectura, filosofía y artes plásticas).

En Milán desarrolló investigación. De esta época son la Virgen de las Rocas. En ella se aplica el sfumato, técnica inventada por él que consiste en mezclar progresivamente las tonalidades sin una transición perceptible en la que no se defienden los contornos.

En 1499 realizó la Última Cena del refectorio de Santa María delle Grazie de Milán. En ella combina el orden simétrico y la perspectiva espacial con un rico estudio psicológico, que muestra toda su expresividad a través de los rostros y el movimiento de las manos.

Entre 1503 y 1505 pintó el retrato de la Gioconda, expresión misteriosa que muestra la técnica del sfumato.

Escuela Romana.

Rafal autor de numerosas madonas con suave modelado, culmina la belleza idealizada y la simetría de las composiciones clásicas; Miguel Ángel con una gran expresividad en sus dinámicas escenas.

- Rafael Sandio (1483-1520).

Heredó ideales humanistas, arquetipo del clasicismo. Sus composiciones se caracterizan por un gran equilibrio; la consecución de una belleza idealizada y una estudiada composición simétrica sobre amplios espacios. Algunas muestras de ellos son Los desposorios de la Virgen o La Virgen del jilguero. Además de las numerosas madonas, influidas por Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, de quien adoptó la grandiosidad y la sofisticación, realizó entre 1508 y 1512 los frescos de la Stanza de la Signatura del Vaticano, composiciones de una monumentalidad clasicista como La Escuela de Atenas, El Parnaso o la Disputa del Sacramento, que representan la filosofía, la poesía y la religión.

- Miguel Ángel.

Su obra pictórica se caracteriza por un perfecto dibujo anatómico, que realza fuertemente el volumen y deja indefinido el fondo, y la expresividad compositiva de los escorzos.

La primera etapa de sus obra pictórica, a la pertenece la Sagrada Familia Doni, muestra la belleza idealizada a través de rotundas y volumétricas composiciones.

Su genialidad creativa queda demostrada a partir de 1508, realizó los frescos de la Capilla Sextina del Vaticano. Fue un encargo hecho por le papa Julio II y se convirtió en su realización más sublime, después de un trabajo intenso y frenético. El artista dispuso las distintas composiciones en una arquitectura fingida. En la parte central representó escenas del Génesis rodeadas de desnudos jóvenes.

Entre 1537 y 1541 pintó el fresco la cabecera de la misma capilla con gran capacidad expresiva. El artista dispuso la escena del Juicio universal como un torbellino de cuerpos entrelazados que se mueven alrededor de Cristo Juez.

En esta misma línea de dramatismo y tensión interior, entre 1542 y 1545, encargo de dos frescos, La conversión de San Pablo y La Crucifixión de San Pedro, para decorar otra capilla del Vaticano, la capilla Paulina. En ellas predomina la monocromía y la soledad del paisaje y se pone de manifiesto la crisis interior.

Escuela Veneciana.

Venecia centro artístico capaz de rivalizar con Roma. En el siglo XV se sentaron las bases de la Escuela Veneciana, caracterizada por el predominio del color en detrimento del dibujo y paisaje de fondo que iluminan las escenas.

- Giorginone (1477-1510).

Su gran aportación consistió en crear la composición con los pinceles sobre la tabla o el lienzo, abandonando el boceto. En sus otras, La Tempestad, La Venus dormida o El concierto campestre, aplicó una pincelada libre y suelta, donde el color y las sensaciones atmosféricas cobran una gran importancia.

- Tiziano Vecellio (1488-1576).

Pintor cortesano de fama internacional, desarrolló una temática pagana como la religiosa. Con respecto a la primera destaca la gran sensualidad de sus desnudos, perfectamente creados en sus famosas alegorías, como Amor sacro y Amor profano, La Bacanal o la Venus de Urbino.

Sus obras religiosas son de gran sensibilidad cromática y solemnidad como su Santo Entierro, la Virgen de los Pesaro o la Anunciación. Sus retratos cortesanos, considerados entre los más interesantes del estilo renacentista, emanan una gran elegancia compositiva y denotan un estudio psicológico.

- Otros pintores de la Escuela Veneciana.

Tintoretto introdujo rasgos que reflejan la influencia de Miguel Ángel, como la perfecta representación anatómica de los personajes, las actitudes violentas y los expresivos efectos lumínicos. La sustracción del cuerpo de san Marcos y la Última Cena. El Veronés, es autor de grandes composiciones pictóricas donde se representan la riqueza y el lujo de la sociedad veneciana, suman el gusto por lo anecdótico y lo exótico, su obra Las bodas de Caná.

 4.El manierismo en Italia.

a) Características.

Hacia 1525, los artistas italianos abandonaron la originalidad creativa y trabajaron “a la maniera” de otros artistas, imitando sus composiciones y, deformándolas. Dirigido a una minoría intelectual, el manierismo se manifestó sobre todo en la pintura. La pérdida del culto a los valores del arte clásico se manifiesta en las composiciones desequilibradas, los gestos excesivos, el gusto por el detalle y las escenas refinadas y aristocráticas. En arquitectura se rompe con la lógica de las relaciones espaciales, mientras las esculturas muestran una gran tensión y adoptan posturas contorsionadas.

b) Pintores.

En Italia existieron dos focos principales, Florencia y Parma. El núcleo florentino tuvo a Andrea del Sarto, Pontormo, Fiorentino y el Bronzino. En Parma destacaron los famosos Corregigio y Parmigianino con su obra la Madona del cuello largo.

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